Cada domingo, la Carrera Séptima se sacude el tráfico y se pone su mejor pinta de calle viva. Entre artistas, vendedores y curiosos, el centro de Bogotá se convierte en un escenario gigante donde todo pasa al mismo tiempo. Un mimo hace reír, una banda improvisa una salsa, un vendedor ofrece empanadas y un activista levanta su pancarta. A eso le llaman el Septimazo.
Esta tradición nació en los años noventa, cuando la ciudad empezó a cerrar la vía al tráfico para devolverla a los peatones. Lo que comenzó como un experimento de movilidad terminó volviéndose una costumbre. Desde 2012, buena parte de la Séptima pertenece a quienes caminan, pedalean o simplemente se dejan llevar por ella.
El tramo más famoso, entre las calles 10 y 24, conecta dos mundos, La Candelaria, con su aire colonial y bohemio, y Santa Fe, con su energía caótica y cultural. Es el punto donde Bogotá se mezcla sin filtros: turistas con cámaras, abuelos con sombrero, jóvenes en patineta y artistas con su maleta de trucos.
El arte callejero manda la parada. Músicos, cuenteros, malabaristas y teatreros convierten la vía en su escenario. No hay taquilla, no hay telón, solo talento, espontaneidad y aplausos.
A su lado, el comercio informal le da sabor y movimiento. Hay arepas recién asadas, artesanías, camisetas con mensajes políticos, libros usados y juguetes reciclados. Cada puesto cuenta una historia y sostiene una familia.
Y entre tanto movimiento, también hay voces que exigen. Colectivos ambientales, defensores de derechos humanos o grupos estudiantiles aprovechan el paso para hablarle de frente a la ciudad.
Claro, el Septimazo también tiene sus enredos; basura, aglomeraciones, desorden. Pero en medio de ese caos hay algo que lo mantiene vivo, la posibilidad de encontrarse. Caminar la Séptima es ver a Bogotá en su estado más puro, diverso y humano.
Porque si la ciudad tiene alma, seguro está bailando, vendiendo y soñando en medio del Septimazo.
Entre el sonido de las máquinas de coser y el golpeteo constante de los martillos, el barrio Restrepo mantiene viva una tradición que ha calzado a Bogotá por generaciones. Este rincón del sur de la ciudad, conocido como el corazón zapatero de la capital, es uno de los treinta íconos que hacen parte de Bogotario, una obra que explora y celebra los símbolos que definen el ser bogotano.
Un barrio hecho a pulso
La historia zapatera del Restrepo comenzó a mediados del siglo XX, cuando familias llegadas del campo encontraron en el cuero y las herramientas una oportunidad para construir futuro. Sin títulos ni fábricas, pero con talento y disciplina, transformaron sus casas en talleres y convirtieron el oficio en una tradición que se transmite de padres a hijos.
El proceso de hacer un zapato en el Restrepo sigue siendo, en gran parte, manual y colectivo. En cada taller, cortadores, aparadores, armadores y lustradores repiten los gestos aprendidos por observación y práctica, en una pedagogía del hacer que sobrevive al paso del tiempo.
Resistencia y reinvención
Aunque la competencia industrial y las plataformas globales han puesto a prueba al sector, los zapateros del Restrepo no se rinden. Han encontrado nuevas formas de vender, se agrupan en redes comunitarias y exploran el diseño con sello propio para mantener su oficio en pie. Más que una actividad económica, el zapatero es un oficio que narra historias de esfuerzo, creatividad y pertenencia.
Bogotario les devuelve vida a los oficios de siempre. Más que mostrar los íconos de la ciudad, es una invitación a verlos como parte de una Bogotá que trabaja, crea y siente, una ciudad tan diversa como la gente que la habita.
En el nuevo capítulo de La Nevera Sonora se recorrerá todo el universo de la música electrónica en Bogotá: trance, techno, house, guaracha, EBM, UKG, schranz, drum and bass, clubes, raves, fiestas y festivales. Un viaje por los sonidos que han hecho mover a la ciudad, desde los primeros espacios underground hasta los escenarios masivos y la escena internacional. Para Dahiana Rodríguez, periodista y DJ, cada momento tiene su historia y su nombre.
“Cinema fue un lugar histórico que marcó un antes y un después para la música electrónica en Bogotá. Fueron 20 años en los que la verdadera inclusión se vivió como tenía que ser. Cinema tenía calidad musical y recibía a la gente desde el respeto y el conocimiento. Representaba una columna vertebral de la electrónica en la ciudad”, recuerda Dahiana sobre los primeros espacios donde este género comenzó a ganar fuerza.
La legitimación cultural de la electrónica en Colombia también está marcada por hitos internacionales. Dahiana destaca, por ejemplo, la influencia de los eventos en Alemania tras la caída del Muro de Berlín y la puesta en escena de Alive de Daft Punk, que cambiaron la manera de presentar la música electrónica.
“Más allá del género, era la unión lo que representaba la música. La gente, los DJs, el caminar todos en un solo sentir. Solo queríamos bailar, escuchar y estar pendientes del otro”, comenta.
En una escena históricamente dominada por hombres, el papel de las mujeres ha cobrado fuerza. Dahiana apunta que cada vez hay más productoras y DJs en festivales y residencias.
“Tenemos más nombres de chicas siendo productoras y DJS. Amai, Camila La Sala y Pau Calderón son ejemplos que inspiran a otras mujeres a seguir ese camino. Siempre hay una mujer en los horarios de los fines de semana en buenos clubes de electrónica, y eso me da mucha fe y esperanza”.
La fusión entre lo local y lo global es otro eje clave de la identidad actual de la electrónica colombiana. Artistas como Julio Victoria, Felipe Orjuela y Glad Kazuka combinan sonidos tradicionales latinoamericanos con electrónica, generando un producto exportable y único.
“Uno puede escuchar sus tracks en radios internacionales; es fantástico mantener esta identidad y que sigan saliendo proyectos donde se mezcle lo local con la electrónica”, asegura Dahiana.
Finalmente, la era digital ha transformado la forma de descubrir y compartir música.
“Antes era difícil encontrar música nueva, ahora está todo en plataformas, podcasts y redes. Puede ser abrumador, pero agradezco que los productores puedan presentar su música sin depender de grandes disqueras. Es un mundo inmenso al que estamos entrando y le tengo fe”, concluye Dahiana Rodríguez.
La historia de la electrónica en Bogotá es, así, un viaje que combina memoria, inclusión, innovación y la potencia de nuevas generaciones, reafirmando a la ciudad como un referente cultural en América Latina.
No se pierda La Nevera Sonora, un nuevo capítulo cada semana. Viernes a las 5:30 p.m. y 9:00 p.m., repeticiones los domingos a las 6:00 p.m.
El cantante puertorriqueño Bad Bunny será el protagonista del espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LX, que se realizará el 8 de febrero de 2026 en el Levi’s Stadium de Santa Clara, California.
El artista, cuyo nombre real es Benito Antonio Martínez Ocasio, se ha consolidado como una de las figuras más influyentes de la música urbana y el reguetón a nivel mundial. Su estilo, letras y conexión con el público lo han convertido en un ícono que ha llevado el idioma español a escenarios internacionales.
Bad Bunny inició su carrera subiendo canciones a internet, hasta que su sonido innovador lo llevó a colaborar con artistas de talla mundial y a romper récords en plataformas digitales. Con álbumes como Un Verano Sin Ti y El Último Tour del Mundo, ha liderado las listas de Billboard, conquistando el mercado angloparlante sin dejar atrás sus raíces latinas.
A lo largo de su carrera, ha ganado tres premios Grammy y varios Latin Grammy, destacándose por ser un artista versátil que fusiona géneros como trap, reguetón, pop y rock alternativo.
La presentación en el Super Bowl será producida por Apple Music, la NFL y Roc Nation, y se espera que combine sus temas más emblemáticos con un despliegue visual de gran escala. Su último trabajo discográfico, ‘Debí tirar más fotos’, ha sido aclamado por la crítica, y es muy probable que varias de sus canciones formen parte del esperado show.
El legado latino dentro del medio tiempo del Super Bowl ha sido cada vez más visible. Figuras como Gloria Estefan, Enrique Iglesias, Christina Aguilera, Shakira, Jennifer Lopez, J Balvin y el propio Bad Bunny han llevado el idioma español, la energía caribeña y el orgullo latino a millones de espectadores en todo el mundo. Estas presentaciones no solo han sido celebraciones musicales, sino también demostraciones de identidad y representación, abriendo el camino para que nuevas generaciones brillen con fuerza.
El Super Bowl LX promete ser un evento inolvidable, y con Bad Bunny en el escenario, la energía latina sin duda se tomará el show más visto del planeta.
Por eso, La Nevera Sonora no podía dejar pasar este gran momento musical. No se pierda La Nevera Sonora, un nuevo capítulo cada semana viernes a las 5:30 p.m., con repetición a las 9:00 p.m. y el domingo a las 6:00 p.m.
El próximo lunes 6 de octubre, los amantes del drama coreano podrán disfrutar del estreno de ‘Amor bajo la luz de la luna’, una serie histórica romántica que se transmitirá de lunes a jueves, a las 5:30 p.m. y 9:00 p.m.
Ambientada en la dinastía Joseon, la historia sigue el inesperado vínculo entre el príncipe heredero Lee Yeong y Hong Ra-on, una joven que se infiltra en el palacio disfrazada de eunuco. Entre intrigas, rivalidades políticas y secretos bien guardados, surge un romance que desafía las tradiciones y el destino.
La serie destaca por su combinación de romance, humor y tensión política, pero también por su despliegue visual. Vestuarios de época, escenarios cuidadosamente recreados y una estética que transporta al espectador al corazón de Corea del Sur.
La química entre los protagonistas, Lee Yeong y Hong Ra-on, se convierte en el hilo conductor de la trama, mostrando un amor que florece pese a las obligaciones y los conflictos que rodean a la corona.
‘Amor bajo la luz de la luna’ también introduce personajes como Kim Yoon-sung, noble rival romántico, y la facción política liderada por Kim Heon, quienes añaden tensión y complejidad a la narrativa. La serie celebra valores como la lealtad, la resiliencia y la capacidad de luchar por el amor incluso frente a los desafíos más difíciles.
Con su estreno, la producción quiere conquistar tanto a seguidores del K-drama como a nuevos públicos, ofreciendo una historia apasionante que combina sentimientos, estrategia y belleza visual.
Podrá disfrutar de ‘Amor bajo la luz de la luna’ por Canal Capital, disponible en Claro 116, ETB 256, DIRECTV 143, Movistar 164 y 113, TDT y TIGO 105.
Este 4 y 5 de octubre el Simón Bolívar se convertirá en el epicentro de la salsa en Colombia con la edición número 26 de Salsa al Parque, una fiesta que celebra al género en todas sus facetas, desde el baile y el coleccionismo, hasta las nuevas tendencias musicales de la mano de artistas y orquestas emergentes que quieren mostrar la pasión con la que se interpreta este género en Bogotá.
Este año el festival se presentará bajo el concepto ‘Bogotá, capital salsera’, y como en cada versión tendrá en su escenario presentaciones de agrupaciones nacionales e internacionales, y la representación del talento bogotano, para ratificar que la capital del país no solo recibe las expresiones de la salsa, sino que las transforma.
Una de las agrupaciones que busca conquistar el escenario del Parque Simón Bolívar y a su público es Luna Llena Salsa Band, quienes basan la esencia de su proyecto en la música, con un sonido que mezcla lo clásico y lo contemporáneo, utilizando sintetizadores que le dan un toque electrónico a sus canciones; las letras, que buscan llevar un mensaje esperanzador; y la energía, que no se puede describir, sino que se experimenta en cada show.
Además de que tienen una gran influencia de la salsa dura y la salsa romántica, “nuestro letrista que es Julio Pacheco, es un amante empedernido de la música de Ismael Rivera, por ejemplo. Los arreglos que hemos tenido hasta el momento en Luna Llena han sido muy influenciados por la Sonora Ponceña, por el Gran Combo de Puerto Rico, también últimamente hemos estado teniendo mucha influencia de lo que es el Grupo Niche”, precisó Cristian Cocomá, trompetista.
Bogotá salsera: cómo el Festival Salsa al Parque conecta a toda la ciudad
Desde su primera edición en 1997, Salsa al Parque se ha consolidado como uno de los festivales más importantes de Bogotá y Latinoamérica, al reunir a miles de personas en torno al género, demostrando que la salsa es un tesoro compartido, sin fronteras ni divisiones.
“Es la posibilidad de demostrarnos a nosotros como bogotanos que no significa que por no haber nacido en una región que se dice la dueña del género, no podamos hacer una buena salsa, disfrutarla y dejar que el alma hable a través de eso”, destacó Julio César Pacheco, cantante y compositor, sobre la relación entre Bogotá y la salsa.
Gracias a festivales como Salsa al Parque y a la labor que han desarrollado artistas y agrupaciones, Bogotá ha logrado ganarse un puesto en el mapa de ciudades salseras, especialmente, por ser considerado un epicentro cultural de difusión y encuentro del género.
“Bogotá tiene un lugar muy importante sobre todo en la cuestión de promoción. Hay que recordar que, por ejemplo, el Grupo Niche, uno de los lugares donde llegó a tocar y donde fue muy famoso al principio, fue acá en Bogotá. Y no solamente eso, sino que de acá también han salido bandas como La 33 y propuestas musicales salseras muy importantes”, explicó Cocomá.
La capital del país es una ciudad con puertas abiertas, que acoge a personas de todas partes y que ofrece múltiples oportunidades, pero que además genera espacios para que personas con variedad de intereses puedan relacionarse, compartir y construir comunidad a través de expresiones como la música, el arte y la cultura.
En ese escenario de diversidad y encuentro, la salsa ocupa un lugar especial: “representa esa posibilidad de salir un poco de la rutina en la que vivimos en Bogotá; es alegría, salir de la zona de confort, es romper con la monotonía del día a día”, destacó Vita, cantante de la agrupación, sobre la importancia de festivales como Salsa al Parque.
Salsa al Parque podrá disfrutarse desde cualquier lugar a través de la pantalla de Canal Capital en TDT, Claro 116, DIRECTV 143, Movistar 113 y 164, ETB 256, TIGO 105, o siguiendo la transmisión desde nuestro canal de YouTube y redes sociales.
*Foto tomada de la cuenta de Instagram de @lunallenasalsa
El Festival Salsa al Parque regresa este sábado 4 y domingo 5 de octubre al escenario del Simón Bolívar, con un cartel de artistas en el que se destacan leyendas del género junto a talentos de la capital, buscando fortalecer los procesos musicales de la ciudad y dar visibilidad a nuevas generaciones de intérpretes.
La agrupación Alejandro Rincón y La Saloma llega a la edición número 26 del festival con la misión de reivindicar la salsa hecha en Bogotá y en distintos rincones de Colombia, pues está integrada por músicos provenientes de varias regiones del país, por medio de composiciones originales que buscan enriquecer la esencia de la salsa bogotana.
El significado de La Saloma en su nombre tiene un trasfondo muy especial, según explica Alejandro Rincón, fundador de la agrupación, recuerda los cantos de los marineros y pescadores, quienes cantaban buscando que el rendimiento del equipo mejorara y haciendo el trabajo más llevadero, una idea que conecta a la banda.
“Cuando nos juntamos somos todo un equipo y mejora el trabajo que hacemos. Ahora, también la saloma son unos cantos, unos gritos que hacen los campesinos de Panamá, y eso cobra un significado mucho más especial. También, aquí entre nos, mi ídolo es Rubén Blades y pues ya saben que él es de Panamá, así que es como un homenaje que tengo hacia él”, detalló.
En esta gran vitrina de talentos que es Salsa al Parque, la orquesta dará a conocer su propuesta musical, nutrida por las influencias e interpretaciones de integrantes de otras ciudades del país, y con la particularidad de que sus letras se enfocan en el mensaje que se quiere transmitir, el ruido de la capital, sus sonidos, sus colores, y en vivencias urbanas como enamorarse en una estación de TransMilenio.
“Desde Bogotá hay un aporte muy particular al género, porque aquí tenemos muchos espacios para tocar y mostrarnos. Algunos son específicos de salsa, pero también hay otros que han entendido que este género sigue más vigente que nunca, incluso en un auge tremendo. Eso ha permitido que los artistas podamos seguir desarrollando nuestro estilo salsero, mientras inspira a otras ciudades del mundo a abrir también más lugares para las agrupaciones”, destacó.
Su participación en Salsa al Parque representa un sueño cumplido, una motivación y, sobre todo, una confirmación de que el esfuerzo ha valido la pena, y que el proyecto musical que están construyendo avanza con pasos firmes.
Salsa al Parque podrá disfrutarse por la pantalla de Canal Capital en TDT, Claro 116, DIRECTV 143, Movistar 113 y 164, ETB 256, TIGO 105, o en nuestro canal de YouTube y redes sociales.
*Foto tomada de la cuenta de Instagram de @alejandrorinconylasaloma
El artista dominicano Mickey Taveras, quien se ha consolidado como una de las voces más queridas y recordadas de la salsa romántica, llega con más de tres décadas de carrera al escenario de Salsa al Parque este domingo 5 de octubre en el Simón Bolívar, con ese repertorio de canciones tan características, que nacen de la balada, pero que conservan la fuerza rítmica del género.
En Canal Capital conversamos con Mickey Taveras sobre sus composiciones, qué inspira sus letras, cómo Salsa al Parque contribuye a preservar y renovar el género, y el cariño que le tiene a Bogotá.
La salsa de Mickey Taveras recuerda a una carta de amor, que no solo se escucha en la pista, sino que también se siente en el corazón; ese toque que tienen canciones como ‘Te esperaré’, ‘A pesar del tiempo’, ‘Quiéreme’, ‘Y qué me pasa’, entre muchas otras, nace de la práctica y del camino que ha recorrido por múltiples géneros.
“Cada tránsito de un género musical a otro es una experiencia diferente de la que siempre se aprende algo. De la balada conservo el romanticismo; del jazz, la perfección para hacer música y la afinación; del merengue, el ritmo y la métrica que permiten dar forma a las palabras. Y, por supuesto, de Dios, el don innato de la música, esa herencia que me permite componer canciones”, señaló.
Taveras descubrió esa habilidad para componer desde muy joven, con tan solo 10 años comenzó a escribir canciones inspiradas en historias de amor, la belleza, y las mujeres que cautivaban su corazón. Con el paso del tiempo esas emociones fueron madurando y transformándose en letras que reflejaban sus vivencias.
Lanzada en los años noventa, ‘Me gustas’, uno de los temas más emblemáticos de Mickey Taveras, se planteó inicialmente como una balada, no obstante, tras grabarse su versión en salsa, se convirtió en un himno del género para quienes buscan declarar su amor.
“Cuando escribí esa canción me gustó mucho, porque se la dediqué a alguien de quien estaba muy enamorado, pero era un amor imposible de principio a fin, pues yo era un poco más joven que ella”, destacó.
Aunque surgió de un amor imposible, terminó uniendo corazones y representando una de las experiencias más significativas para él: “Cuando me tocó hacerla en la versión de salsa sentí que esa canción iba a ser todo un éxito. Con esa casualmente fue que participé en el Festival de Viña del Mar en 1996. Fue un momento maravilloso, saber que esa canción significó tanto para mí, y para mucha gente que la usa para declararse”.
Mickey Taveras en Salsa al Parque: un escenario donde el género se reinventa sin perder su esencia
Radicado en Colombia durante varios años, Mickey Taveras guarda un cariño especial por Bogotá, un lugar que lo marcó tanto por el tiempo que vivió en ella como por las personas que conoció, entre las que destaca una relación con una mujer que dejó huella, y con la que aún mantiene un lazo cercano, razón por la cual no duda en describir a la capital como la ciudad ideal.
Una ciudad a la que regresa para presentarse en la edición número 26 del Festival Salsa al Parque, un escenario que reunirá a leyendas del género con los talentos emergentes que están apostando por nuevas propuestas musicales, junto al baile, el coleccionismo, la rumba, la producción discográfica y la exploración de nuevas tendencias.
“Me siento muy contento y orgulloso de poder participar de este gran elenco que va a trabajar en este concierto, en esa unión de personas que aman ese género tan bello que se llama salsa”, comentó.
Para él, esa mezcla entre la juventud, los nuevos exponentes, y quienes llevan un largo trayecto en el género, une mucho y garantiza que la salsa siga viva con nuevas voces respaldadas por la experiencia.
🔥🎶 Porque sin salsa no hay sazón, ¡Bogotá está lista para cocinar la rumba más sabrosa del año! Este 4 y 5 de octubre la ciudad se prende con Salsa al Parque 2025.
Adicionalmente para Taveras, en la actualidad los nuevos artistas tienen acceso a grandes oportunidades de proyección internacional gracias a la tecnología: “los jóvenes pueden grabar su música y tienen plataformas de venta para poderla distribuir, tienen prácticamente esa libertad de poder subir sus videos a YouTube. Están en su mejor momento. ¡Disfrútenlo!”, explicó.
Precisamente, en medio de la incursión de nuevos talentos y de los cambios que ha vivido la salsa en los últimos años, Taveras resaltó cómo el género ha sabido adaptarse a las tendencias sin perder su esencia.
“En lo personal, me fascina cuando mezclan la salsa con reggaetón y se hacen esas improvisaciones bonitas, también me encanta la salsa choque. Es más, tengo planes de grabar la ventanita en salsa choque. Me gusta mucho esa nueva línea que están usando de salsa. Es maravillosa”, resaltó.
No obstante, en medio de esas nuevas fusiones y propuestas, para él la salsa va más allá de lo musical, y en una definición que refleja la esencia de su propia obra, destacó el poder que tiene el género no solo para hacernos mover los pies, sino para hacer que vibre nuestra alma.
“La salsa aparte de la parte musical, que es lo que conlleva un buen arreglo, un buen ritmo, el profesionalismo de los músicos, conserva algo bello: hay canciones que son tan bonitas por sus letras. Eso tiene la salsa que conserva ese romanticismo”, precisó.
Y como la cereza del pastel, nos comentó que está haciendo una selección de personas con las que va a grabar una canción.
“Ya tenemos elegido a Maelo Ruiz, el maestro Amílcar Boscán, Osvaldo Román, Choco Orta, el señor Charlie Aponte, que es de los más queridos de la salsa del Gran Combo, y nada más y nada menos que mi hermano y compueblano José Alberto ‘el canario’, vamos a grabar juntos una producción bonita de salsa”, concluyó en medio de risas de complicidad.
Para escuchar todas las canciones de este grande de la salsa romántica, sigue conectado con Canal Capital y no te pierdas la transmisión oficial de Salsa al Parque a través de nuestra señal de televisión en:
TDT, Claro 116, DIRECTV 143, Movistar 113 y 164, ETB 256, TIGO 105, o en nuestro canal de YouTube y redes sociales.
El próximo 4 y 5 de octubre de 2025 regresa al Parque Simón Bolívar el Festival Salsa al Parque, un evento que en cada edición reúne a leyendas del género, talentos nacionales y nuevas voces que marcan el futuro de la salsa, en un encuentro que disfrutan tanto los melómanos más apasionados como quienes se dejan atrapar por sus ritmos.
Desde Canal Capital transmitiremos EN VIVO los dos días de este festival, que estará cargado de música, baile y cultura, para que quienes no puedan asistir al Simón Bolívar también se conecten con la energía de Salsa al Parque, se disfruten cada presentación y vivan la experiencia de uno de los encuentros salseros más importantes de América Latina, directamente desde sus hogares o dispositivos móviles.
Para la edición número 26, los asistentes disfrutarán de todo el talento de 16 agrupaciones nacionales e internacionales, de las cuales, cuatro son talento bogotano, demostrando que la capital del país es un epicentro de encuentros, difusión y creación artística de la salsa.
“Desde 1997, Salsa al Parque ha sido un escenario para reconocer la cultura salsera en Bogotá, promover a sus artistas y reunir a públicos diversos. Con más de dos décadas de historia, el festival se ha consolidado como una fiesta ciudadana que celebra al género en todas sus facetas: el baile, el coleccionismo, la rumba, la radio, la producción discográfica y la exploración de nuevas tendencias musicales”, explicó en un comunicado María Claudia Parias, directora del Instituto Distrital de las Artes – Idartes, entidad que organiza los Festivales al Parque.
Con el concepto ‘Bogotá, ciudad salsera’, el festival busca reconocer los aportes y la estrecha relación que la ciudad ha construido con la salsa, contribuyendo desde sus orquestas, escenarios, bailarines, coleccionistas y melómanos al desarrollo del género en el país.
“En 2025, Salsa al Parque ratifica el lugar de Bogotá como una ciudad salsera que mira hacia adentro y reconoce que la salsa es un baluarte de toda la ciudadanía, sin fronteras ni divisiones. Más allá de la programación artística, el festival sigue siendo un catalizador para la promoción de proyectos musicales y para la regeneración de los lazos sociales que nacen alrededor de la música”, señaló en un comunicado Rodrigo Duarte, curador del evento.
Este año el festival quiere demostrar que Bogotá también es una capital salsera que no se limita a acoger las expresiones del género, sino que las hace suyas, y las reinventa como parte de la vida cultural de la ciudad.
Sigue conectado con Canal Capital y no te pierdas la transmisión oficial de Salsa al Parque a través de nuestra señal de televisión en:
TDT, Claro 116, DIRECTV 143, Movistar 113 y 164, ETB 256, TIGO 105, o en nuestro canal de YouTube y redes sociales.
Los Festivales al Parque siguen abriendo camino a los nuevos talentos y celebrando la diversidad musical que hace especial a nuestra ciudad.
La historia de la música contemporánea no se entiende solo por lo que suena: también por lo que se ve. Las portadas de discos han sido manifiestos culturales, piezas de arte visual y, en muchos casos, símbolos de resistencia. Desde Londres y Nueva York hasta México, Buenos Aires y Bogotá, estas 15 cubiertas muestran cómo la música se escucha también con los ojos.
The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Reino Unido)
El collage de Peter Blake y Jann Haworth reunió a escritores, políticos, artistas y figuras históricas junto a los Beatles vestidos con uniformes coloridos. Esta portada no solo capturó la psicodelia de los años 60, sino que además convirtió al rock en un vehículo artístico y cultural de alcance masivo. Fue una declaración de intenciones: el álbum debía entenderse como obra total, no solo como música, sino como arte en conjunto. Escúchalo en Spotify:
Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (1973, Reino Unido)
Un prisma que descompone la luz en colores se convirtió en uno de los íconos más reconocibles del rock progresivo. El diseño de Hipgnosis resumía con sencillez la complejidad musical de Pink Floyd. La portada fue un símbolo de sofisticación y, a la vez, un gesto minimalista que trascendió el tiempo y se instaló en la cultura popular como imagen universal.
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The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground & Nico (1967, EE. UU.)
La banana amarilla diseñada por Andy Warhol rompió con cualquier convención. Minimalista y provocadora, la portada invitaba a ‘pelar’ la imagen en las primeras ediciones. El álbum fue ignorado en su tiempo, pero se convirtió con los años en la biblia del rock experimental. Hoy, esa banana es sinónimo de arte pop y de resistencia cultural.
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Nirvana – Nevermind (1991, EE. UU.)
La portada muestra un bebé desnudo bajo el agua intentando alcanzar un billete de dólar. La imagen, tan perturbadora como potente, se convirtió en metáfora de la sociedad capitalista y de la inocencia arrebatada. El disco fue un terremoto cultural que catapultó el grunge y convirtió a Kurt Cobain en voz de una generación marcada por la rebeldía y la angustia.
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The Rolling Stones – Sticky Fingers (1971, Reino Unido)
Andy Warhol desafió las normas con una portada que incluía una cremallera real en los primeros vinilos. El gesto fue tan provocador como el contenido del álbum: crudo, sensual y descarado. El diseño reflejó a la perfección la irreverencia de los Rolling Stones y el espíritu de los años 70, donde la música se fusionaba con la libertad sexual y la transgresión.
La portada de Signos representó un quiebre en la estética del rock en español. Mientras la región vibraba con colores estridentes, Gustavo Cerati y Soda Stereo optaron por la sobriedad y el minimalismo. Ese contraste marcó un antes y un después, posicionando a Soda como líderes de la modernidad musical en América Latina.
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Caetano Veloso – Tropicália ou Panis et Circencis (1968, Brasil)
Este álbum colectivo reunió a los principales exponentes del movimiento tropicalista, entre ellos Caetano Veloso y Gilberto Gil. La portada, colorida y vibrante, reflejaba la mezcla de modernidad y tradición que proponía el movimiento. Fue un manifiesto visual y sonoro contra la dictadura y a favor de la libertad estética en Brasil.
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The Clash – London Calling (1979, Reino Unido)
La fotografía de Pennie Smith muestra al bajista Paul Simonon destruyendo su instrumento en plena actuación. Es la esencia del punk condensada en un instante: rabia, energía y catarsis. El uso de la tipografía de Elvis Presley fue un gesto de homenaje y confrontación, uniendo pasado y presente del rock.
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David Bowie – Aladdin Sane (1973, Reino Unido)
El rayo rojo y azul sobre el rostro de Bowie definió la estética glam. Fue mucho más que maquillaje: representó la capacidad de Bowie para reinventarse en cada proyecto. La portada convirtió a Bowie en un ícono cultural que trascendió la música para instalarse en la moda y el arte contemporáneo.
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Joy Division – Unknown Pleasures (1979, Reino Unido)
La portada diseñada por Peter Saville se basó en un gráfico de ondas de radio de un púlsar. Sin nombre de la banda ni del álbum, fue un acto de radical minimalismo. Con los años, el diseño trascendió la música y se convirtió en ícono de la moda, el diseño gráfico y la contracultura.
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Juan Gabriel – Recuerdos, Vol. II (1984, México)
El ‘Divo de Juárez’ apostó por una estética teatral y elegante que reforzó su figura como gran intérprete romántico. La portada es reflejo de un artista en plena madurez creativa y de un disco que se convirtió en clásico de la música popular mexicana.
Fania All-Stars – Live at Yankee Stadium (1975, EE. UU. – Puerto Rico/Cuba)
La salsa alcanzó el mainstream global con este concierto en el Yankee Stadium. La portada muestra la magnitud de un movimiento musical que trascendió fronteras. Fue la consagración de la Fania y de la salsa como fenómeno cultural y social.
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Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly (2015, EE. UU.)
Frente a la Casa Blanca, un grupo de afroamericanos celebra sobre el cuerpo de un juez caído. La portada es tan política como las letras de Kendrick Lamar: denuncia, identidad y cultura afroamericana en un mismo golpe visual. El disco es considerado ya un clásico contemporáneo.
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Café Tacvba – Re (1994, México)
El collage musical surrealista de Rubén Albarrán reflejó la diversidad sonora y estética del disco. Cada canción parecía venir de un mundo distinto, y la portada abrazaba ese caos creativo. ‘Re’ fue bautizado como el ‘White Album’ latinoamericano por su ambición y trascendencia.
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Aterciopelados – El Dorado (1995, Colombia – Bogotá)
Andrea Echeverri y Héctor Buitrago dieron vida a un disco colorido y poderoso que puso a Bogotá en el mapa del rock latino. La portada, vibrante y pop, reflejaba un espíritu juvenil y urbano. ‘El Dorado’ abrió las puertas a la internacionalización de la música colombiana y consolidó a Aterciopelados como referentes continentales.
