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Junio llegará cargado de música a Bogotá. La capital colombiana se prepara para recibir una de las agendas de conciertos más variadas del año, con artistas internacionales, leyendas del rock, figuras del pop latino y festivales gratuitos que convertirán a la ciudad en un gran escenario durante todo el mes.

Desde shows multitudinarios en el Movistar Arena y El Campín, hasta encuentros alternativos en teatros, plazas y espacios públicos, La oferta musical incluirá nombres como Fito Páez, Sin Bandera y Nicky Jam, además de eventos gratuitos como Popular al Parque que buscarán acercar la música a miles de asistentes.

4 de junio: Sin Bandera

El recordado dúo de los 2000, Sin Bandera, conformado por Leonel García y Noel Schajris llega a los escenarios del Movistar Arena con el Escenas Tour el próximo 4 de junio para hacer cantar a los asistentes al ritmo de sus baladas más recordadas como ‘Entra en mi vida’ o ‘Suelta mi mano’.

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4 de junio: Pomme

La cantautora francesa Pomme llega al Teatro Colsubsidio de Bogotá para compartir con los asistentes el universo sonoro que ha creado con su voz y composiciones que pretenden demostrar su singular visión artística.

5 de junio: Ana Torroja

La cantautora española, Ana Torroja, hará una parada en Bogotá con su gira ‘Se ha acabado el show Tour’ con la que marca una nueva etapa artística en su carrera y prepara a sus seguidores para el lanzamiento de su nuevo trabajo musical que publicará en el transcurso del año.

5 de junio: Los pericos

La banda argentina de ska y reggae llega al Lourdes Music Hall el próximo 5 de junio para celebrar 37 años de carrera y para presentar en vivo las canciones de su nuevo disco de estudio ‘Inmortal’.

6 de junio: Nicky Jam

El próximo sábado 6 de junio, el cantante Nicky Jam vuelve a pisar suelo bogotano, esta vez en el Estadio Nemesio Camacho El Campín en el marco de su gira ‘Tamo activo’, para cantar junto a sus fanáticos desde los clásicos que han marcado su carrera, hasta las canciones de ‘Bohemio’, su álbum más introspectivo.

6 de junio: I Hate Models

El mes de junio llega con su propio evento de techno, el Coliseo MedPlus recibe a uno de los productores del género más reconocidos, I Hate Models. El productor francés vuelve a pisar suelo capitalino para poner a bailar a los asistentes al ritmo de sus composiciones en un rave organizado por Rebels.

6 y 7 de junio: Popular al Parque

Bogotá recibe su segundo Festival al Parque el 6 y 7 de junio. Popular al Parque traerá lo mejor del género al Parque Metropolitano Simón Bolívar con entrada gratuita y se podrá vivir EN VIVO por la pantalla de Canal Capital.

Este año el evento tendrá como invitados internacionales a Los Tucanes de Tijuana, Edwin Luna y la Trakalosa de Monterrey. Dentro de la cuota nacional y distrital destacan Banda Siete, Joan Hernández, Pipe Jaime, Luisito Muñoz, Francy y Sebastián Ayala.

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7 de junio: Yves

La cantante surcoreana Yves llega por primera vez a Colombia en el marco de su gira por latinoamérica. La artista promete un show inolvidable lleno de pop, bailes enérgicos y una actuación que se siente poderosa e íntima al mismo tiempo.

12 de junio: Fito Páez

Fito Páez llega el próximo 12 de junio al Movistar Arena con el tour ‘Sale el Sol’, una gira que marca una nueva etapa en su carrera y que ofrecerá versiones inéditas de sus grandes canciones con las que el cantante le dará una nueva lectura a sus clásicos.

13 de junio: Tortazo Rock en La Media Torta

La Media Torta de Bogotá vuelve a ser escenario del rock con el Tortazo Rock, una fiesta intergeneracional con bandas icónicas, regresos y nuevas sonoridades del rock colombiano.

La tarde vibrará al ritmo de Bajo Tierra, V For Volume, The Kitsch y Pez Errante, al cartel se sumará un artista sorpresa que será revelado el día del evento.

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17 de junio: SIAMÉS

La banda argentina SIAMÉS llega a Bogotá para celebrar 10 años de carrera con un concierto inolvidable en el Boro Room. Su presentación estará protagonizada por las canciones que los llevaron a la cima como “The Wolf”, “Mr. Fear” y “Summer Nights”.

En un momento en el que buena parte del consumo cultural ocurre desde la velocidad de las pantallas y la inmediatez digital, la Universidad Nacional de Colombia apuesta por detener el tiempo y volver a la escucha.

Lo hace a través de Presencias, sonidos y ecos, un programa artístico y curatorial que entiende la música no solo como un lenguaje estético, sino también como una herramienta de memoria, transformación y reparación colectiva.

La iniciativa, liderada por María Belén Sáez de Ibarra, directora de Patrimonio Cultural de la Universidad Nacional y directora artística del proyecto, recoge más de dos décadas de investigación, creación y trabajo con comunidades, artistas y autoridades espirituales en distintos territorios del país. El resultado es una programación que desborda los límites tradicionales de la música académica y propone una experiencia profundamente política, espiritual y sensorial.

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Más que un ciclo de conciertos, Presencias, sonidos y ecos se plantea como una experiencia de tránsito colectivo. Un espacio donde la memoria histórica dialoga con la música contemporánea, las tradiciones populares, los rituales y las búsquedas artísticas del presente.

Una programación construida desde la memoria y la transformación

El origen del programa está atravesado por una pregunta constante sobre la memoria y la manera en que las sociedades elaboran el dolor, la violencia y la posibilidad de reconstruirse.

Sáez de Ibarra explica que el proyecto nace de “20 años de trabajo alrededor de la memoria”, aprendiendo de artistas, comunidades y autoridades espirituales, especialmente en territorios de selva y en contextos donde la memoria no se entiende únicamente desde los archivos o los discursos institucionales, sino desde la experiencia viva.

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La propuesta también conecta memorias locales con referentes universales. Hiroshima, por ejemplo, aparece como uno de los hitos que dialogan con el programa, entendiendo la reparación simbólica como una necesidad humana que atraviesa geografías y generaciones.

Presencias, sonidos y ecos plantea que el arte puede convertirse en un acto de cuidado colectivo. En palabras de la directora artística, “la reparación simbólica es parte del amor que le podemos ofrecer a las víctimas”. Sin embargo, la programación no se queda únicamente en la conmemoración del dolor. También propone un recorrido hacia la alegría, la resistencia espiritual y la posibilidad de reconstrucción desde la experiencia artística.

A lo largo de la curaduría, la música aparece como una forma de transformación interior. Las obras seleccionadas dialogan con rituales de vida y muerte, celebraciones, espiritualidades y procesos de resistencia cultural. Todo esto desde una perspectiva que rechaza las identidades fijas y cerradas.

“Nosotros somos anti identitarios porque somos hijos de la escuela post-espinosiana”, afirma Sáez de Ibarra en uno de los momentos más contundentes de su reflexión sobre el programa. La directora sostiene que las culturas y las memorias están en permanente transformación y que el arte debe permitir precisamente esa movilidad: el contagio, el viaje, el sincretismo y la posibilidad de convertirse en otra cosa.

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Esa idea atraviesa toda la construcción curatorial del proyecto. La programación no busca encerrar las músicas en categorías rígidas entre lo académico y lo popular, ni entre lo ancestral y lo contemporáneo. Por el contrario, propone una convivencia entre distintos lenguajes sonoros y distintas formas de entender la creación.

Las mujeres como eje de la curaduría musical

Uno de los aspectos más significativos de Presencias, sonidos y ecos es la centralidad de las compositoras mujeres dentro de la programación. La selección de obras y referentes artísticos se construye desde creadoras que han trabajado temas relacionados con la memoria, las espiritualidades, las tradiciones populares y las tensiones sociales contemporáneas.

Entre las compositoras que atraviesan la curaduría aparecen nombres como Tania León, Gabriela Ortiz, Sofia Gubaidulina y Carolina Noguera Palau. Sus obras funcionan como puntos de referencia para pensar las relaciones entre música sinfónica, ritualidad, memoria colectiva y creación contemporánea.

En el caso de Gabriela Ortiz, por ejemplo, la directora destaca la manera en que la compositora integra el arte popular, las espiritualidades y los lenguajes sinfónicos tradicionales, vinculándolos con temas sociales y políticos. La programación encuentra allí una manera de comprender la música contemporánea no como un espacio distante o elitista, sino como una herramienta conectada con la experiencia humana y las realidades colectivas.

La apuesta también implica una toma de posición frente a la historia de los grandes escenarios musicales. Sáez de Ibarra señala que el proyecto marca un cambio importante dentro del Auditorio León de Greiff, espacio emblemático de la Universidad Nacional y uno de los escenarios más importantes de la música académica en el país.

“Estamos tocando por primera vez en el León de Greiff después de 50 años de la Filarmónica tocada solo hombres”, afirma la directora. Más que una cifra simbólica, la frase resume una intención curatorial que busca cuestionar las jerarquías históricas de la programación musical y abrir espacio a otras voces dentro del repertorio contemporáneo.

La presencia mayoritaria de compositoras no es casual. Hace parte de una búsqueda consciente por reconocer a las mujeres como guías dentro de los procesos de memoria y reparación. “Las mujeres son las que nos tienen que enseñar a ser memoria”, sostiene Sáez de Ibarra.

Música contemporánea para pensar el presente

Otro de los rasgos distintivos del programa es su apuesta decidida por la creación contemporánea. Más del 60 % de las obras programadas corresponden a composiciones del siglo XXI y muchas de ellas fueron creadas durante la última década. Además, una parte importante del repertorio ha sido comisionada especialmente para el proyecto.

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Esa decisión responde a una idea clara: la memoria no puede construirse únicamente desde el pasado. También necesita dialogar con el presente y con las preguntas de la actualidad.

Para la directora artística, el tiempo contemporáneo es el lugar donde ocurre la conciencia política y la transformación colectiva. Por eso el programa se concentra en músicas de hoy, en compositores vivos y en obras capaces de dialogar con las tensiones del presente.

El arte como espacio de encuentro colectivo

La construcción de esta propuesta ha implicado años de investigación y experimentación desde distintos espacios culturales de la Universidad Nacional, entre ellos el museo de arte, el Claustro de San Agustín y el propio Auditorio León de Greiff. Según Sáez de Ibarra, el proyecto recoge aprendizajes acumulados durante dos décadas de trabajo transdisciplinar alrededor del arte y la memoria.

El reto, sin embargo, no ha sido únicamente artístico. También ha significado articular instituciones, gestionar recursos y construir consensos dentro del sector musical colombiano. Uno de los desafíos más importantes, explica la directora, ha sido integrar a la Orquesta Filarmónica de Bogotá dentro de esta visión artística y de memoria colectiva.

Aun así, la apuesta del programa se mantiene ambiciosa. “Jamás por debajo de las expectativas de un sueño para Colombia y para el mundo”, afirma Sáez de Ibarra al referirse al alcance que esperan construir desde este proyecto.

En medio de un ecosistema cultural marcado por la rapidez y el consumo fragmentado, Presencias, sonidos y ecos propone volver al encuentro presencial y a la escucha compartida. Para sus creadores, la música sigue teniendo la capacidad de reunir cuerpos, construir comunidad y producir experiencias colectivas de transformación.

“La música en estos lugares es donde la comunidad se construye”, dice la directora al referirse al papel del espacio público y de los escenarios culturales. En esa idea se resume gran parte de la esencia del programa: entender la escucha como un acto colectivo y la música como una forma de volver a mirarse, recordarse y reconstruirse juntos.

La memoria también se canta, se baila y se celebra. Este sábado 30 de mayo, Bogotá vivirá una nueva conmemoración de la afrocolombianidad con un encuentro cultural en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán que reunirá música, danza y expresiones artísticas afrodescendientes en torno a los 175 años de la abolición de la esclavitud en Colombia.

Bajo el lema ‘Seguimos Construyendo Igualdad‘, la jornada busca reconocer la huella histórica, social y cultural que las comunidades negras y afrocolombianas han dejado en el país. Más que una fecha simbólica, el evento propone un espacio para encontrarse con las raíces, la resistencia y las historias que siguen vivas en la cultura popular y en las calles de la ciudad.

Sonidos del Pacífico, salsa y resistencia afro

Uno de los momentos centrales será la presentación de Soy Pacífico, agrupación de danza que llevará al escenario Viaje por las aguas del Pacífico, una puesta en escena donde la marimba, el cununo y el bombo acompañan relatos inspirados en la vida y la espiritualidad del litoral pacífico colombiano. Currulaos, abozaos y contradanzas harán parte de un recorrido que mezcla música, teatro y tradición.

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La programación también incluirá a Los del Templo, colectivo nacido en Soacha que ha construido un sonido propio mezclando salsa urbana con hip hop, reguetón y ritmos del Pacífico.

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A ellos se suma el artista cubano Robe L. Ninho, radicado en Cali, cuya propuesta musical une rap y sonidos caribeños con mensajes sobre identidad, orgullo afro y memoria ancestral.

La salsa tendrá su espacio con El Clan del Solar, orquesta bogotana que retoma la fuerza de la salsa clásica con una apuesta contemporánea. La agrupación, reconocida por su participación en Salsa al Parque, llegará con un repertorio inspirado en la esencia salsera de los años 70 y 80, pero conectada con nuevas generaciones.

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La conmemoración comenzará a las 5:00 p.m., con apertura de puertas desde las 4:00 p.m. y entrada gratuita mediante entrega de manillas el mismo día. La jornada será conducida por Edna Liliana Valencia y espera reunir a ciudadanos, artistas y comunidades alrededor de una celebración que pone en el centro la memoria afrocolombiana y su aporte permanente a la identidad cultural del país.

Foto: Alcaldía de Bogotá

Los clásicos…

¿Qué hace a un clásico un clásico?¿Qué lo constituye o de qué depende? ¿Tiene que ver con el tiempo? ¿Con su éxito? 

En estos días escuchando las dos nuevas canciones de los Rolling Stones, que por cierto están muy chéveres, pensaba: qué increíble que estos manes sigan lanzando música y se vean tan vitales, a sus 80 años en promedio, pero al mismo tiempo decía: será que estas canciones volverán a tener el mismo impacto como no sé, Brown Sugar, Gimme Shelter, Satisfaction, canciones que se convirtieron en grandes clásicos de la música. 

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¿Será que las canciones nuevas de artistas “consagrados” alcanzarán ser clásicos algún día? Siempre he pensado que es muy difícil (a menos de que seas David Bowie), que los clásicos son los clásicos porque fueron construidos en una época trascendental de cada artista, de su espíritu artístico y de su creatividad, aunque esa podría ser una manera simplista de abordar el tema.

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Según la teoría, una canción se vuelve “clásica” cuando logra sobrevivir al contexto histórico que la vio nacer. Pero, además de eso, la familiaridad sonora, lo cantable que sea y un par de rasgos distintivos memorables, podrían fabricar un buen clásico.

Ahora, hay estudios que hablan de que lo verdaderamente clave a la hora de hacer una canción que trascienda en el tiempo es la “memoria emocional compartida” de una o varias generaciones, y ahí la cultura pop, las revoluciones sociales y culturales, y los medios de comunicación, son fundamentales.

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Cuando todo eso que acabo de mencionar se alínea, las canciones dejan de ser canciones para convertirse en símbolos culturales, lo que los sociólogos llaman: “canonización cultural”, cosa que hoy, precisamente, pues no pasa mucho porque nos movemos a través de constelaciones culturales. Entonces, es probable que los artistas jóvenes tengan más explosividad creativa, ruptura, energía y curiosidad, lo que marca la pauta para fijar una canción como potencial clásico, pero con los años, todo eso se transforma en refinamiento, profundidad y complejidad emocional, lo que los aleja del canon cultural pero los acerca al terreno de las obras maestras, lo cual, es otro tema…

¿Usted cómo lo ve?

Hablar de la Crack Family no es solo hablar de hip hop, es narrar la historia de las avenidas, los barrios populares y la resiliencia de la cultura urbana en Colombia.

En pleno 2026, la agrupación liderada por Cejaz Negraz demuestra que su legado, nacido de las entrañas de «Fondo Blanco», sigue más vigente que nunca, conectando con las nuevas generaciones que ven en sus rimas un espejo de la realidad social del país.

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De la calle a la inmortalidad sonora

Desde su formación formal en el año 2000, tras el encuentro entre Cejaz Negraz y Manny en Bogotá, el grupo se alejó de los circuitos comerciales para construir un imperio basado en la autogestión y la «realidad explícita». Lo que comenzó en los callejones del centro de la capital se transformó en un movimiento latinoamericano que hoy, décadas después, es objeto de estudio y respeto.

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Para profundizar en los inicios de Crack Family, es necesario remontarse a la Bogotá de finales de los 90 y principios de los 2000, una época donde el rap en Colombia estaba dejando de ser un movimiento de imitación para encontrar su propia voz cruda y local.

De «Fondo Blanco» a Crack Family

Antes de ser conocidos como Crack Family, el núcleo del grupo se gestó bajo el nombre de Fondo Blanco, un colectivo que nació en los barrios populares del centro y sur de Bogotá, específicamente vinculado a la vivencia de la calle.

Cejaz Negraz (fundador y líder) y Manny fueron los pilares que le dieron forma al proyecto original alrededor del año 1996-1997, donde el nombre «Fondo Blanco» hacía referencia a la intensidad de sus vidas y a la cultura del consumo y la supervivencia en el asfalto.

El encuentro en «La 38»

Un punto geográfico vital en su historia es Sanandresito de la 38, este lugar no solo fue su centro de operaciones comercial, sino el punto de encuentro donde la estética del grupo se fusionó con el comercio popular.

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Allí establecieron su propia tienda, vendiendo su música de mano en mano y su propia línea de ropa, convirtiéndose en pioneros de la autogestión en Colombia mucho antes de que existieran las plataformas digitales.

El salto a la fama con «Mundo Blanco» (2000)

El año 2000 marca un antes y un después con el lanzamiento del álbum «Mundo Blanco», trabajo que es considerado una piedra angular del hip hop colombiano porque, empiezan a mostrar una Bogotá gris, dura y marginal que los medios de comunicación de la época no querían mostrar.

Además rompió con los esquemas del rap «concienzudo» o político tradicional para hablar de la «Realidad Explícita», con canciones como «Busca el efectivo» o «Las envidias» se convirtieron en himnos instantáneos en las barriadas de todo el país.

La evolución del nombre y el sello «Crack Home Music»

Con el tiempo, el concepto de «Fondo Blanco» evolucionó hacia Crack Family. La palabra «Crack» ellos la resignificaron como «expertos» o «hábiles» en el micrófono (al estilo de los «cracks» del fútbol), y «Family» para subrayar la lealtad entre sus miembros frente a un sistema que los excluía.

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Bajo el sello Crack Home Music, lograron algo inédito: grabar videos musicales de alta calidad técnica que retrataban la vida en las «ollas» y barrios periféricos, atrayendo millones de vistas en los inicios de YouTube en Colombia.

«Tierra NYC 2026»: El presente de Cejaz Negraz

Aunque muchos artistas pasaron por el colectivo, la figura de Cejaz Negraz se mantuvo como el cerebro creativo y el «capitán» del barco. Otros integrantes como Manny, Shaby y Money aportaron matices diferentes que permitieron al grupo girar por Europa y Latinoamérica, demostrando que el rap de la calle bogotana tenía un lenguaje universal.

Y lejos de quedarse en la nostalgia de clásicos como «Hoy por hoy» o «Fuego», la Crack Family sigue produciendo material de alto impacto. Recientemente, Cejaz Negraz ha sorprendido a sus seguidores con el lanzamiento de «Déjela Ser», sencillo que forma parte de su ambicioso proyecto «Alboom Tierra NYC 2026».

Este nuevo trabajo no solo ratifica su destreza lírica, sino que muestra una evolución en la producción audiovisual bajo el sello Crack Home Music, manteniendo ese sonido crudo pero con una factura técnica que compite en el mercado global.

Cultura y pedagogía desde el asfalto

Para Bogotá, la Crack Family es más que música, pues su influencia se extiende a emprendimientos locales donde, su mítica tiende en Sanandresito de la 38 y sigue siendo un punto de peregrinación para los amantes del género, siendo un referente clave de la identidad capitalina.

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Ya que han sido cronistas de la transformación de barrios como Ciudad Bolívar y el centro, dándole voz a quienes las guías turísticas suelen ignorar, su historia se ha convertido en un testimonio de cómo el arte puede ser una alternativa frente a la adversidad y la delincuencia.

El eco de la calle se transforma

Entender los inicios de Crack Family es comprender una parte esencial de la identidad de Bogotá, y que lo que comenzó como un grito de resistencia en los callejones de «La 38», grabando en casetes y vendiendo discos de mano en mano, se ha transformado en un imperio cultural que hoy, en 2026.

Quiénes sigue dictando cátedra sobre la autogestión y la realidad explícita, su historia es el testimonio vivo de que el rap no solo es música, sino el archivo histórico de los barrios que la ciudad a veces olvida.

Si quieres profundizar en estas y otras historias que marcan el pulso de nuestra identidad sonora, no te pierdas La Nevera Sonora, un espacio donde exploramos todo tipo de notas, géneros y lanzamientos que están moviendo la escena musical actual.

Con la premisa de explorar los límites de la realidad y conectar la ciencia ficción con la investigación científica, el Planetario de Bogotá se prepara para recibir la tercera edición del Festival Geek – Universos Posibles.

El evento se llevará a cabo durante el fin de semana del 23 y 24 de mayo, consolidándose como el punto de encuentro definitivo para las comunidades de fanáticos, científicos y mentes curiosas de la capital, donde la temática de este año es «Universos posibles».

El festival ofrecerá un recorrido inmersivo por los avances tecnológicos, los relatos fantásticos y las ideas que moldean las historias del futuro, en el que el público asistente podrá disfrutar de una variada agenda que incluye charlas, talleres interactivos, juegos de mesa, exposiciones y llamativos encuentros comunitarios con entrada libre hasta completar el aforo de los escenarios.

Cuatro ejes para explorar la realidad y la ficción

La programación de esta edición estará articulada en cuatro grandes bloques temáticos: Tecnologías emergentes, Invasión biótica, Física de lo imposible y Realidades fantástica, a través de los cuales, los expertos e invitados debatirán sobre cómo la física, la astronomía y la biología dialogan constantemente con los imaginarios populares del cine, el anime y los cómics.

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Entre las actividades más destacadas dentro del auditorio se encuentran paneles que analizarán la ciencia detrás de los personajes favoritos del público, tales como «¿Es posible ser Spider-Man? La ciencia y la tecnología detrás de la máscara», «Biología Pokémon», e interesantes aproximaciones biológicas inspiradas en la cultura popular como «Del conocimiento ancestral al mainstream: el caso de los hongos zombis de los insectos».

Por su parte, la inteligencia artificial también tendrá su espacio con la conferencia «Star Wars y la IA: cada vez menos ficción, cada vez más realidad».

Experiencias inmersivas, juegos y pasarelas

El festival no solo se limitará a la teoría; los espacios del Planetario estarán completamente tomados por la acción, ya que el Domo albergará la esperada Pasarela Star Wars ambos días a las 4:30 p.m., y el sábado cerrará la jornada con la presentación musical «DJ Corpas Electromagnético: Un Viaje por Universos Posibles» a las 7:30 p.m.

Asimismo, los amantes del entretenimiento interactivo dispondrán de zonas de Retrogaming, torneos de cartas coleccionables como Magic: The Gathering y Pokémon TCG, y demostraciones de juegos de mesa de la mano de aliados como Devir Colombia.

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Las comunidades de fanáticos como el Kashyyyk Clan (Star Wars) y Ghost Corps Colombia (Cazafantasmas) también contarán con exhibiciones especiales en los pasillos de la edificación.

Agenda detallada: Prográmate para los ‘Universos Posibles’

Para pasar una mejor experiencia prepare un itinerario, aquí tiene los horarios de las actividades principales durante el fin de semana:

Sábado 23 de mayo

• 10:00 a.m. – Charla: Inspiraciones mitológicas y su impacto en la cultura geek (Auditorio)
• 10:00 a.m., 12:00 m., 1:00 p.m. y 2:00 p.m. – Recorrido Geek “Invasión Biótica” + Charla Fulldome “De Dioses a Héroes” (Domo + Salas Interactivas – Con boletería)
• 11:30 a.m. – Charla: Cazafantasmas: detrás de la magia de la pantalla (Auditorio)
• 1:00 p.m. – Panel: Tecnologías emergentes en 3D (Auditorio)
• 2:00 p.m. – Taller: Avatares Minecraft: construya y anime su propio personaje (Línea Arte, Ciencia y Tecnología)
• 2:30 p.m. – Charla: El juego como herramienta de desarrollo pedagógico (Auditorio)
• 4:00 p.m. – Charla: Nanotecnología en el día a día de un superhéroe (Auditorio)
• 4:30 p.m. – Pasarela Star Wars (Domo)
• 5:30 p.m. – Charla: ¿Por qué la Legión 501 es canon? (Auditorio)
• 5:30 p.m. – Charla: Tentáculos y sentimientos: la química del amor extraterrestre (Sala infantil)
• 6:00 p.m. a 8:00 p.m. – Observación astronómica nocturna (Terraza 2 – Sujeta a condiciones climáticas)
• 7:00 p.m. – Charla: Viajeros en el tiempo: cuando el futuro intenta mejorar sus posibilidades (Sala infantil)
• 7:30 p.m. – Charla: Superpoderes de la naturaleza de ayer a hoy (Auditorio)
• 7:30 p.m. – DJ Corpas Electromagnético: Un Viaje por Universos Posibles (Domo)

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Domingo 24 de mayo

• 10:00 a.m. – Charla: Star Wars y la IA: cada vez menos ficción, cada vez más realidad (Auditorio)
• 10:00 a.m., 12:00 m., 1:00 p.m. y 2:00 p.m. – Recorrido Geek “Invasión Biótica” + Charla Fulldome “De Dioses a Héroes” (Domo + Salas Interactivas – Con boletería)
• 11:30 a.m. – Charla: Isekai y los mundos de fantasía (Auditorio)
• 11:30 a.m. – Taller familiar de entomología (Sala infantil)
• 1:00 p.m. – Charla: Astrobiología y ciencia ficción (Auditorio)
• 2:30 p.m. – Charla: Del conocimiento ancestral al mainstream: el caso de los hongos zombis de los insectos (Auditorio)
• 4:00 p.m. – Charla: ¿Es posible ser Spider-Man? La ciencia y la tecnología detrás de la máscara (Auditorio)
• 4:30 p.m. – Pasarela Star Wars (Domo)
• 5:30 p.m. – Charla: Biología Pokémon (Auditorio)

Además, durante ambos días, de manera permanente se podrán encontrar, las salas múltiple, multipropósito y los halls del primer y segundo piso tendrán zonas de retrogaming, torneos de cartas coleccionables como Pokémon y Magic, juegos de mesa y exhibiciones de clubes de fans.

¿Cómo asistir?

La entrada a la mayoría de las actividades académicas, los talleres de Hama Beads, las zonas de juegos de mesa y las muestras de las comunidades de fanáticos es libre y gratuita hasta completar el aforo de cada espacio.

Por su parte, las experiencias especiales que incluyen acceso al Domo y las Salas Interactivas cuentan con boletería paga, la cual se puede adquirir con anterioridad a través de la plataforma TuBoleta.

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Para conocer la descripción detallada de cada panel, los requerimientos de los talleres y planificar la visita sin perderse nada, les invitamos a consultar la programación completa en la página web oficial del evento: III Festival Geek – Universos Posibles en el Planetario de Bogotá.

Datos clave para los asistentes

• Fechas: Sábado 23 y domingo 24 de mayo.
• Lugar: Planetario de Bogotá (Calle 26B No. 5 – 93).
• Ingreso: Entrada libre hasta completar aforo para la mayoría de las actividades de agenda abierta. Las experiencias que integran el Domo y las Salas Interactivas (como el Recorrido Geek “Invasión Biótica”) se manejan con boletería paga disponible a través de TuBoleta.
• Actividades destacadas: Observación nocturna en la terraza (sábado de 6:00 p.m. a 8:00 p.m.), talleres infantiles de Hama Beads y torneos de Shogi.

El III Festival Geek se presenta como una oportunidad única en la ciudad para ejercitar el pensamiento crítico, despertar la curiosidad científica mediante el juego y, sobre todo, responder a la gran pregunta colectiva: ¿qué tan viables son los mundos que somos capaces de imaginar?