Autor: Andrés Salazar

La música de Super Mario Bros es una de las melodías más reconocibles de la historia de los videojuegos. Fue compuesta por el músico japonés Koji Kondo para Nintendo y apareció por primera vez en 1985 junto con el lanzamiento del videojuego para la consola Nintendo Entertainment System (NES).

La pieza principal, conocida como “Ground Theme”, nació en medio de las limitaciones tecnológicas de los sistemas de 8 bits, pero terminó convirtiéndose en un símbolo global de la cultura pop.

El origen de la música de Mario Bros

La historia comienza en 1984 en Japón, cuando Koji Kondo aplicó para trabajar en Nintendo. La compañía estaba desarrollando un nuevo videojuego que terminaría cambiando para siempre la industria: Super Mario Bros.

Kondo, que tenía formación musical y experiencia tocando en ensambles, fue contratado para crear la música de los juegos de la compañía. Su reto sería desarrollar una banda sonora que acompañara la experiencia del jugador.

Componer con tecnología de 8 bits

La creación de la música de Super Mario Bros estuvo marcada por las limitaciones técnicas de la época.

La consola NES solo permitía trabajar con cuatro canales de sonido:

• Tres canales melódicos
• Un canal de percusión

Esto obligaba a los compositores a crear melodías simples, claras y fáciles de recordar.

Koji Kondo entendió que la música debía acompañar el movimiento del personaje. La melodía debía sentirse sincronizada con los saltos, carreras y obstáculos del juego.

El nacimiento de “Ground Theme”

Para crear la música principal de Mario, Koji Kondo se inspiró en distintos estilos musicales, entre ellos:

• ritmos del calypso caribeño
• elementos del pop japonés de los años 80
• patrones repetitivos diseñados para no cansar al jugador

El resultado fue “Ground Theme”, la canción que suena en el primer nivel de Super Mario Bros y que hoy es una de las melodías más reconocibles del mundo.

Un fenómeno cultural

Cuando Super Mario Bros se lanzó en 1985, el videojuego se convirtió rápidamente en un fenómeno mundial.

Su música trascendió el juego y pasó a formar parte de la cultura popular. Con el tiempo ha sido interpretada por orquestas sinfónicas, reinterpretada por músicos y utilizada en múltiples producciones audiovisuales.

Hoy la música de Mario es considerada una de las bandas sonoras más influyentes en la historia del gaming.

El legado de Koji Kondo

Tras el éxito de Super Mario Bros, Koji Kondo continuó trabajando para Nintendo y compuso música para otra saga legendaria de la compañía: The Legend of Zelda.

Entre sus trabajos más destacados se encuentra la banda sonora de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, considerada una de las mejores composiciones musicales en la historia de los videojuegos.

Gracias a su trabajo, Kondo es reconocido hoy como uno de los pioneros de la música para videojuegos.

Y ustedes ¿recuerdan la primera vez que jugaron Mario?

DESCONGELADOS

Preguntas frecuentes sobre la música de Super Mario Bros

Resolvemos algunas dudas clave sobre el origen, el compositor y la importancia cultural de una de las melodías más famosas en la historia de los videojuegos.

¿Quién compuso la música de Super Mario Bros?

La música fue compuesta por el músico japonés Koji Kondo, quien comenzó a trabajar en Nintendo en 1984.

¿Cómo se llama la canción principal de Mario?

La canción principal del juego se llama Ground Theme.

¿En qué año salió Super Mario Bros?

El videojuego fue lanzado en 1985 para la consola Nintendo Entertainment System (NES).

¿Por qué la música de Mario es tan famosa?

Porque combina simplicidad, ritmo y repetición, lo que la hace fácil de recordar y perfecta para acompañar la dinámica del juego.

¿Qué hago si un artista que me gusta promueve ideas o ideales que no comparto, o que van en contravía a mi línea de pensamiento? Tema complicado pero apasionante, ¿no?

Y es que por estos días, con el fallecimiento de, ojo, uno de mis artistas favoritos de toda la vida, volvió este eterno debate a mi cabeza. Willie Colón fue, es y será una de las influencias, inspiraciones, acompañantes y figuras más importantes de mi consumo musical, y de mi formación como melómano, pero ajá, ciertas de sus posturas no dejaron de incomodarme y hacerlo un poco insufrible, sobre todo durante los últimos años…

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¿Qué hacer? ¿Dejar de escuchar sus canciones? No creo, por lo menos no sabría cómo. No sabría cómo, de un momento a otro, podría desarraigar de mi ser el amor, las emociones, los recuerdos y todo lo que su obra artística ha hecho de mí como persona. No sabría cómo a menos de que se descubriera que fue un criminal o alguien que violentó de muchas maneras. ¿Dejar de seguirlo en redes?, tal vez, una buena solución si lo que se quiere es distraer el asunto, hacer como si nada. ¿Odiarlo y cancelarlo? mm pues no, tampoco me da para tanto.

Siempre que me debato esto, dependiendo del caso claro, lo primero que pienso es que la separación de obra/artista es un dilema de conciencia individual, no es una norma universal. Es un debate moral que me incumbe solo a mí, y que no debería ser motivo de señalamiento ni inquisición. Reconocer y disfrutar el valor de una obra no siempre implica admirar a su autor. Claro, seguramente la obra representará su cosmovisión del mundo, pero de este lado, esa misma obra también puede significar muchas otras cosas que nada tendrán qué ver con sus posturas, al final de cuentas es mi interpretación la que le da el valor a la obra del artista, con su luz pero también con su oscuridad, y siempre entendiendo que el debate tendrá varios puntos de partida: el emocional, el racional, el ético, el político, el estético…

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Eso sí, soy fiel defensor de la idea de NO tener ídolos, esos que defienden enceguecidamente, sin cuestionarse absolutamente nada; porque una cosa es eso y otra muy distinta es disfrutar de una obra con un panorama responsable, ético, crítico y muchas veces, inseparable. 

Como siempre, muchas preguntas: ¿Es objetivo principal del artista con su obra dejar el rastro de su comportamiento? ¿De su parecer? ¿Qué es censurable y qué no? ¿Es deber nuestro conocer la biografía de nuestros artistas? Muchas pruebas más de que estamos condenados a vivir en contradicción, por siempre. ¿Ustedes cómo lo ven?

Imagen de portada generada con inteligencia artificial.

^{Imagen tratada con Inteligencia artificial}

Nostalgia.

En una época donde la música académica era territorio casi exclusivo de hombres, hubo alguien que decidió desafiarlo todo. Hoy en Descongelados de La Nevera Sonora le contamos la historia de la primer mujer graduada como compositora en Colombia. 

Jacqueline Nova nació un 1 de enero de 1935 en Bélgica, de donde era su madre, pero a los pocos meses se mudó a Bucaramanga, de donde era su padre. Allí haría el colegio y estudiaría piano clásico, su primer amor y puerta de entrada al mundo de la música.

En el ‘55 se fue a Bogotá a estudiar en el Conservatorio de la Universidad Nacional, donde recibiría clases con grandes referentes de la música contemporánea en el país. Ahí se graduaría como la primera mujer en obtener un título de composición en Colombia. Posteriormente continuaría su formación en Buenos Aires.

Desde la academia exploró la música contemporánea, la electroacústica, el serialismo, la poesía y la electrónica. Siempre tuvo un interés particular en la experimentación y nunca le interesó seguir las reglas o etiquetarse bajo un género: su propuesta fue, ante todo, vanguardista. 

Nova desarrolló su carrera en un entorno profundamente conservador y dominado por hombres. Fue mujer y lesbiana en una escena académica y artística donde esas identidades eran vistas como una anomalía. A pesar de esto, logró consolidar una trayectoria sobresaliente llena de premios, reconocimientos y aplausos, convirtiéndose en un símbolo para las mujeres en la música colombiana. 

En una Bogotá que vivía grandes cambios industriales, que recibía nuevas tecnologías y empezaba a ver el auge cosmopolita de los años 60 y 70, la música de Nova servía como una diálogo con el presente. Obras como Creación de la Tierra, De las Hojas Secas del Verano o Metamorfosis III, sonaban disonantes, cacofónicas, abstractas y oscuras. Piezas difíciles que le hacían preguntas a la audiencia. 

Jacqueline Nova falleció en 1975, dejando un legado valiosísimo para la música contemporánea en nuestro país y siendo una de las pioneras de la música electrónica en el continente.

Y ud, ¿Ya conocía la historia de Jacqueline Nova?

Esa es una de las varias preguntas que me he hecho los últimos años con respecto a la llamada crisis de la música en streaming. Crisis que tiene efectos colaterales tan profundos como poner en stand by a bandas que inclusive llevan trabajando más de 15 años sin poder encontrar un modelo sostenible o rentable. Como es el caso de Oh’Laville, quienes anunciaron un alto en el camino debido al desgaste físico, emocional y financiero que conllevó toda la operación de la agrupación durante estos años.

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Pero, por otro lado, gracias a esas preguntas y al recrudecimiento de las “fugas en el sistema” de las plataformas de streaming frente al pago de regalías a los artistas, surgen momentos bisagra que podrían ser fructíferos para el replanteo de la situación, como es el caso del rapero bogotano El Kalvo, quien al ver el panorama, decidió arrancar el 2026 invitando a sus fans a hacerse accionistas de sus nuevas canciones a través de un sistema de puntos que le permitirían financiar su nuevo disco.

Idea brillante, a primera vista, pues se completa una cadena de retribución que, fuera de lo artístico, representa el modelo ideal para la relación fan/artista; y, por otro lado, ayudaría a mitigar la intermediación de plataformas que encontraron una mina de oro que podría estar próxima a caducar (aunque siendo realistas, es muy difícil que pase).

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Según me contó el mismo Kalvo, la idea no es irse de las plataformas porque a fin de cuentas es un “mal necesario”. La idea es buscar otras opciones para rentabilizar los proyectos y vincular de manera más directa a los oyentes, quienes son, al final de la cadena, quienes la sostienen. 

Ya otros debates serán los temas de rendimientos y los parámetros legales, pero por qué no pensarnos entre todos un replanteamiento del sistema? desde adentro? volver a las ventas de baúl? volvernos accionistas de nuestros artistas? Buena conversación…